作曲・編曲のノウハウ

（以下は『よくわかる作曲の教科書』秋山公良から抜粋
2010年8月6～11日にノートにとり勉強した）

🔵曲の作り方

ポピュラー音楽の作曲ならば、音大で学ぶような対位法やフーガの技法は必要ない。

絶対音感も、あると足かせになることもあるし、持っていないのが普通と思って安心してよい。

作詞と作曲をどちらから先に行うかは様々である。同時に行うこともある。

メロディ先行で作るほうが絶対に楽。
メロディに言葉をはめる方が簡単である。

歌詞の中で一番グッとくる部分を一番高い音符になるようにメロディを作るのは、経験を積まないと出来ない。

いきなり長い曲を作るのは無理なので、まず短い曲をいくつも作ってみることだ。

インストの方が楽で、TVのCMを思い浮かべて30秒位で作るといいだろう。

余力があったら曲のイメージに合う歌詞を当てはめてみる。

手順としては、コード進行のパターンを覚え、その上にメロディを乗せ、その上で歌詞を考えるのが早道だろう。

歌モノはボーカルを担当する人の音域によって、インストは演奏する楽器によって、キーを決める。

作曲のビキナーは、コード進行のパターンを覚えることから始めよう。

気持ち良い進行はそれほど多くないので、コード進行を決めてからメロディを乗せる方が作曲しやすい。

コード進行を作るだけで終わらず、絶対にメロディを乗せる練習もすること。

初心者ほど長い曲を作ってしまう傾向がある。
だがインストの場合、すばらしいアドリブが展開されない限り、3分が限界。

歌ものでも4分が限界で、初心者にそれ以上の長さは無理である。

曲が長くなると、エンディングに仕掛けをしないとバランスが釣り合わないし、作曲やアレンジのハードルはどんどん上がっていく。

自分の作った曲は長いと感じにくいが、それは全ての展開と構成を熟知しているから。

初めて聴く人はそうではないので、「長くて飽きた」と感じさせない長さにする。

人が退屈をせずにじっと集中して聴く音楽を作りたければ、10秒に1度くらいで変化が起きるアレンジにしよう。

大きな変化でなくていい。とにかく何かを変えるのだ。

歌ものであれば、歌っている間はそちらに注意が行くのでそのままでいいが、2拍以上の間がある時は仕掛けが欲しい。

（※考えてみるとビバップやチャーリー・パーカーのアドリブは、1秒ごとに変化をつけているような世界である。変化が大事なのは非常に肌身感覚で理解できる。）

リズムも、終始同じノリにはせず、Bメロ、サビ、間奏でノリを変化させるように心がけよう。

🔵ハーモナイズのコツ

コード進行を優雅で自然にするには、ハーモニーの動きは少ない方が良い。

「なるべく体力を使わないで音を動かさない」のが大事。

2つの和音間で共通な音は動かさないのが鉄則。
なるべく楽をする事が美しいコード進行を作る秘訣である。

（※ギターのハーモナイズでは、これを自然にやっている事が多い。今まで意識してなかったが、これは当たっている。）

2つの和音間に共通音がない場合は、ほとんどのケースではベースとは反対方向に上声部の音を動かすと良い。

こうする事で、和音全体が極端に高くなっていったり低くなったりせずに、ほどよい高さで綺麗なグラデーションを描ける。

🔵色々

長調か短調かの判断は、たった1つの和音だと難しい。

でも3つ位の和音のつながりだと、誰でもムードは分かる。

しかし、なぜ人間がそう感じるかは解明されていない。

和音の作り方の基本は、3度ずつ重ねること。

なぜなら2度で重ねると濁って汚くなるから。

Ⅶm7^－5は、ダイアトニックコードだが扱いが難しく、最初は無視して構わない。
上級になるととても大切な和音になる。

（2025年6月22日に作成）